Tretjakova galerijas Inženiertehniskajā ēkā apmeklētājiem ir atvērta arhitektūras grafikas izstāde "Tikai Itālija!" Pusi ekspozīcijas veido lietas no Sergeja Čobana fonda kolekcijas, pusi - Valsts Tretjakova galerijas zīmējumi un vēl daži - četru mūsdienu mākslinieku-arhitektu: Maksima Atajanta, Sergeja Kuzņecova, Mihaila Filipova un Sergeja darbi. Čobans.
Izstāde ir absolūti pārsteidzoša daudzu iemeslu dēļ. Pirmkārt, augstas kvalitātes arhitektūras grafika ir materiāls, kas tiek nodots sev. Pārbaudot to no lapas uz lapu, detalizēti izpētot cirtas, ēnas, personālu, kārtību, ir lielisks prieks.
No otras puses, nevar teikt, ka Tretjakova galerijā bieži tiek rādīti arhitekti. Viņi tur gandrīz nekad netiek rādīti. Un šeit - ekspozīcija apvienoja ne tikai lietas no galerijas noliktavām, tās, kurām ir maz iespēju tikt parādītām citā laikā, ar lapām no Berlīnē glabātā fonda Tchoban kolekcijas. Visā centrā, tāpat kā radīšanas vainagā, atrodas mūsdienu arhitektu zīmējumi.
Ekspozīcijas dizains pieder SPEECH birojam un Sergejam Čobanam, kurš nelielā rotundas zālē aranžēja savu laikabiedru (arī viņa paša) darbus; ap viņu esošajā galerijā eksponētas 20. gadsimta grafikas; attālumā, vēl divās taisnstūrveida telpās, tiek izstādītas 18. - 19. gadsimta loksnes, kas sadalītas divos blokos: "Tēmas dzimšana" un "Rossika" (ārzemnieku darbi Krievijā). Tādējādi hronoloģija ekspozīcijas telpā lokos atšķiras vai, precīzāk sakot, saplūst no pagātnes uz tagadni: kaut kas līdzīgs lokiem uz ūdens, tikai otrādi.
Jāatzīmē, ka SPEECH diezgan konsekventi attīsta apaļas zāles motīvu savā darbā ar izstāžu noformējumu: pietiek atcerēties izstādi "Grafikas muzejs" ArchMoscow 2013. gadā (kad Berlīnes grafikas muzejs vēl nebija atvērts) vai divi Krievijas paviljona ekspozīcijas noformējumi Venēcijas arhitektūras biennālē: gleznainā Višņija Voločokas pilsētas diorāma 2010. gadā un "Panteons" no QR kodiem 2012, nesen
atjaunota Zarjadjē. Mūsdienu izstāžu noformējumā apaļas zāles ir diezgan reti sastopamas - rotondas telpa nav īpaši ērta izstādīšanai, jo tā mēdz nomākt eksponātus un pati par sevi izskatās svarīgāka un vērtīgāka. Tas ir templis, nevis muzejs, koncentrēšanās vieta vai pat dievkalpojums.
Šī apļa kvalitāte tiek uzsvērta un izmantota piekāršanā. Jaunā laika grafika tiek izstādīta saskaņā ar visiem muzeja eksponēšanas noteikumiem un ar pienācīgu cieņu. Rotundālajā telpā kreisajā pusē grafiskā lapa pārstāj būt pašvērtīga, kļūstot par telpiskā sižeta pakārtotu daļu. Atajantu, Kuzņecova, Filippova, Čobana palagi ir pakārti divās rindās, nepievēršot uzmanību katram atsevišķam darbam kā muzeja vērtībai (20. gadsimta grafika apļveida galerijā kalpo kā pāreja, pati virpuļošana jau noņem muzeju stingrība).
Paziņojuma nozīme ir pietiekami skaidra. Mūsdienu grafika šeit nav gluži eksponāts, bet drīzāk tās pastāvēšanas fakta - klasiskās zīmēšanas tradīcijas turpināšanas un atdzīvināšanas misijas - deklarācija. Tā ir daļa no iedomāta mākslas tempļa, savukārt vēsturiskā kolekcija ir kaut kas līdzīgs tās sakristejai, vērtīgu eksemplāru krātuvei.
Raksturīgi, ka plastiskais interjera paziņojums, kas tik smalki interpretē izstādes saturu, paliek klasikas valodas ietvaros. Pilnīgi bez pasūtījuma, bet detaļas un telpisko pieredzi apaļajai zālei pievieno faktiskās grafiskās lapas. Tās ir viņa īslaicīgā arhitektūra. Apsveriet, piemēram, Panteona apaļo pusi, ko artikulē glīti uzzīmēts arku izkraušanas arku cokols: “panteons panteonā” turpina iesākto spēli tālāk, jau iedomātā telpā aiz grafiskās lapas plaknes.
Pie teiktā atliek piebilst, ka izstāde, sākot ar 18. gadsimta "dibinātājiem", turpina izpētīt īpaši krievu tradīciju apbrīnot Itāliju, un tuvāk 21. datumam izrādās, ka šī tradīcija šeit ir ieguvusi dažus pilnīgi īpašas iezīmes, bez zināšanām un labā nozīmē apsēstības, ko tik smalki notver zāles tempļa forma. Neviens nepazīst senlietu pētījumus tik patiesi kā Maksims Ataants; neviens nedomā, ka viņa arhitektūra ir dzimusi akvareļu ainavā, piemēram, Mihails Filippovs; neviens nav tik ļoti apņēmies arhitektūras grafikas žanra patieso vērtību kā Sergejs Čobans, kurš izveidoja tā muzeju, un Sergejs Kuzņecovs, kurš pastāvīgi dodas brīvā dabā. Kopā rezultāts ir neviendabīga, bet noteikti unikāla parādība.
Mēs runājām ar visiem četriem Mūsdienu viesistabas izstādes dalībniekiem.
Sergejs Čobans Archi.ru:
Vai tiešām šī ir lielākā arhitektūras zīmējumu izstāde, kas šobrīd tapusi, piedaloties jūsu fondam?
Sergejs Čobans:
- Es domāju, ka jā. Gan pēc iesniegto darbu skaita, gan pēc aptvertā perioda šī ir lielākā izstāde. Šeit ir izcilu Rietumeiropas autoru, 18. gadsimta arhitektūras zīmēšanas skolas dibinātāju darbi un milzīgs skaits izcilu krievu mākslinieku un arhitektu grafikas, kas aktīvi strādāja šajā kontekstā.
Jūsu fonda rīkotās arhitektūras grafikas izstādes jau veidojas noteiktā secībā. Vai ir kāds vispārējs plāns, attīstības vektors, vai sižets tiek atkārtoti izgudrots katru reizi?
S. Č.: Kopumā katru reizi tas tiek izgudrots no jauna, lai gan mums ir noteikti principi. Jo īpaši mēs cenšamies sadarboties ar ievērojamām muzeja institūcijām. Viens no mūsu nākamajiem projektiem būs kopīgs ar Albertu no Vīnes. Doktors Šrēders [Vīnes Albertīnas muzeja direktors - Archi.ru] bija mūsu muzeja zālēs Berlīnē un izteica vēlmi izveidot kopīgu projektu - mēs par to esam ļoti priecīgi un lepni par šo priekšlikumu. Ir arī citi projekti.
Ir plāns sadarboties ar Ščuseva arhitektūras muzeju, manuprāt, tas ir ļoti svarīgi.
Jūs esat kolekcionārs, grafiķis, dizainers, arhitekts - kā tas ir saistīts viens ar otru?
S. Č.: Man šķiet, ka tās ir vienas un tās pašas nodarbes dažādas saites. Vēsturiskā kontekstā arhitekti bija arī mākslinieki; viņi nodarbojās ne tikai ar kapitālajām ēkām, bet arī ar scenogrāfiju, teātra izrādēm.
Līdz 20. gadsimtam arhitektiem nebija fotogrāfiju …
S. Č.: Es domāju, ka fotogrāfijai nav tādu mērķu kā arhitektūras zīmēšanai. Zīmējums atspoguļo vissvarīgāko cilvēka radošuma daļu - arhitektūru, ko cilvēks rada dabas telpā.
Tikmēr Maksims Atajants un Mihails Filippovs nodarbojas ar klasisko arhitektūru, bet jūs to nedarāt
S. Č.: Protams, nē, tas nav tieši saistīts ar mūsu darīto arhitektūru. Man šķiet, ka arhitektūras izpēte, zīmējot, var dot pilnīgi atšķirīgus rezultātus: tā ir proporciju un telpisko efektu, kā arī auduma un detaļu izpēte. Ne velti šodien ne tikai krievu valodā, bet arī daudzās Eiropas skolās atkal liela uzmanība tiek pievērsta zīmēšanai, jo tikai ar zīmēšanas palīdzību var redzēt, kā dažādu struktūru materiāli tiek savstarpēji apvienoti, kā viens no otra ieplūst mazāko detaļu audums.
Jūsu zīmējumi izstādēs vienmēr ir ļoti pabeigti darbi, kas zīmēti no dabas. Kāpēc jūs nerādāt skices?
S. Č.: Pirmkārt, šīs izstādes tēma ir diezgan noteikta, tā nenozīmē neko citu. Un, otrkārt, pašiem zīmējumiem jābūt neatkarīgai kvalitātei. Skicēm ne vienmēr ir šāda kvalitāte.
Vai jūsu glezna vairāk izaug no jūsu kolekcijas vai no jūsu arhitektūras?
S. Č.: Es domāju, ka kolekcija tomēr izauga no zīmēšanas. Un liela daļa manis veidotās arhitektūras izaug no zīmēšanas. Tas vienkārši neaug taisni. Nav tādas lietas, ka jūs uzzīmējat seno laiku ēku un pēc tam projektējat kaut ko līdzīgu. Tad jūs izstrādājat kaut ko citu, jo kosmosa attīstības likumi ir atšķirīgi.
*** Mums izdevās uzdot trīs citiem izstādes dalībniekiem to pašu, šajā gadījumā svarīgo, jautājumu: vai viņu grafika atšķiras no vēsturiskās, un, ja jā, tad kā.
Maksims Atajants
Ar ko jūsu grafika atšķiras no vēsturiskās, kas šeit izstādē tika prezentēta?
M. A.: Grafika šeit ir tik atšķirīga … Man ir sajūta, ka četri mūsdienu izstādes dalībnieki viens no otra atšķiras gandrīz tikpat lielā mērā kā tie, kas karājas citās šīs izstādes zālēs.
Laikmeti ir atšķirīgi. Mūsdienu grafiku nevarēja ietekmēt kolosālā modernitātes vizuālā liekība. Pēdējo divu gadu laikā pasaulē ir uzņemts vairāk fotogrāfiju nekā visā iepriekšējā vēsturē kopš pirmā dagerotipa. Vizuālās liekības spiediens liek mums atšķirīgi izturēties pret zīmējumu un no turienes izvilkt kaut ko tādu, kas, teiksim, nav fotogrāfijā. Esmu diezgan profesionāls fotogrāfs, tāpēc man ir svarīgi šīs lietas salīdzināt. Bet man ir bail apzināti pārdomāt šo tēmu, jo zīmēšanas un fotografēšanas uzdevums ir viens un tas pats … Es gribētu kaut kā paust savu prieku un satraukumu, tiekoties ar šīm ēkām. Iespējams, Quarenghi atrisināja tās pašas problēmas. Un rezultāts ir atšķirīgs, jo laikmets ir atšķirīgs. Kā citādi uz to atbildēt?
Kāpēc jūs ne tikai fotografējat, bet arī zīmējat?
M. A.: Bet uz to es viegli varu atbildēt. Jo ir iesaistīti dažādi mehānismi. Zīmēšana ir mācīšanās veids, vienīgais cilvēka darbības veids, kurā vienlaicīgi ar vienādu intensitāti tiek iesaistītas smadzenes, acs un roka. Nav iespējams pavadīt stundu pārdomāti un koncentrēti, aplūkojot kādu arhitektūras gabalu, ja neglezno. Tas ir mācīšanās veids.
Mēs fotografējam, lai citi varētu dalīties, un zīmējam paši. Asimilācijai. Manā gadījumā vismaz.
Vai jūs kādreiz esat gleznojis no fotogrāfijas?
M. A.: Protams, tāpat kā jebkurš idiots, kurš studēja Mākslas akadēmijā, es naktī smēlos no fotogrāfijas, kad, piemēram, man nebija laika aizpildīt kursa darbu. Tad man šķita, ka tas ir vieglāk. Tagad es cenšos to nedarīt, jo šī ir bezjēdzīga procesa atdarināšana. Manuprāt, zīmēšanas jēga ir smelšanās no dzīves.
Kad es zīmēju, kaut ko saprotot, tad šis process ir dziļš. Kāpēc to vienkāršot, cenšoties lēti iegūt tādu pašu rezultātu? Vai arī ārēji izskatās vienādi. Tajos gadījumos, kad jums nebija laika pabeigt uz vietas, dažreiz, protams, jūs palūrējat fotogrāfiju … Bet tas ir otršķirīgi. Apbrīnojami, ka tagad man ir daudz grūtāk un ilgāk zīmēt no fotogrāfijas nekā no dabas. Tā ir taisnība.
Sergejs Kuzņecovs
Ar ko jūsu grafika atšķiras no vēsturiskās, kas šeit izstādē tika prezentēta?
S. K.: Es pazemīgi teiktu, ka mēs to nevaram izdarīt. Es priecājos par Maksima Ataantsa darbiem, kurš atrada sevī resursu, varēja ienirt un nonākt citā detalizācijas pakāpē - ir skaidrs, ka grūti nenozīmē labu, bet vienkārši nenozīmē sliktu - bet tomēr, kādus augstumus sasniedza vecmeistari, un pacietībā, smagā darbā un acīs - tas ir pārsteidzoši. Mums jāmācās … Es joprojām ar skaudību skatos uz šeit redzamo grafiku; apgūt šādu prasmi, protams, būtu lieliski.
Vai klasiskās arhitektūras zīmēšana nozīmē centienus uzcelt klasisko arhitektūru?
S. K.: Nē, tas nebūt nenozīmē. Klasiskās arhitektūras zīmēšanu nevajadzētu saistīt ar klasiskās arhitektūras dizainu, tāpat kā lasījums The Three Musketeers nenozīmē, ka jūs esat gatavs rīt zobenu šūpot.
Kā tad arhitektūra un glezniecība ir saistīta ar jums personīgi?
S. K.: Šajā ziņā es esmu vecās skolas cilvēks, es novērtēju pamata, amatniecības prasmes. Man šķiet, ka arhitektūras veidošanas veids nav mainījies un tam nevajadzētu mainīties: cilvēkam domas, sajūtas, jūtas jāpārnes caur sevi - dators neļaus visu izteikt. Es biju ļoti un nopietni iecienījusi datorgrafiku, man bija daudz publikāciju un izstāžu, tas dod man iespēju salīdzināt darbu ar rokām un acīm - un darbu ar datoru. Kad jūs kontrolējat savu roku un ar savām rokām varat attēlot to, kas atrodas jūsu galvā, tas jums personīgi palīdz, kā arī darbojas kā pārliecināšanas līdzeklis.
Kāpēc jūs nerādāt skiču grafiku?
S. K.: Šajā gadījumā tas nebūtu piemērots … Šī nav apzināta nostāja; būs priekšlikumi - izstādīsim. Vispārīgi runājot, tā nav taisnība, mēs to izstādām - "Gada arhitekta" izstādē Maskavas arkā mums bija skices zīmējums. Mums ir daudz labas kvalitātes skices. Rokraksti, manuprāt, vienkārši neinteresēs auditoriju. Kopumā es teiktu, ka auditorijas interese par jebkuru darbu ir tieši proporcionāla tajā ieguldītā darba apjomam.
Kā jūs sākāt zīmēt vēsturisko arhitektūru?
S. K.: Es sāku zīmēt ilgi pirms iestāšanās koledžā. Mani vecāki nekādā ziņā nebija saistīti ne ar mākslu, ne ar arhitektūru, bet mani aizrāva dažādas radošuma iespējas, prototipu veidošana, zīmēšana, un tāpēc es nokļuvu sagatavošanās kursos Maskavas Arhitektūras institūtā. Kopš tā laika es neesmu pārtraucis gleznot; lai gan pēc institūta iestājās pauze, kad es vairs nenodarbojos ar manuālo, bet gan ar datorgrafiku.
Vēlāk, sākot strādāt ar Sergeju Čobanu, kaut kur ap 2006. gadu es viņam ieteicu ceļot uz dažādām pilsētām, zīmēt arhitektūru. Kopš tā laika mēs regulāri ceļojam vairākas reizes gadā, lai gleznotu arhitektūru. Mūsu pirmais ceļojums brīvā dabā Romā notika, piemēram, Piranesi pēdās.
Mihails Filippovs
Ar ko jūsu grafika atšķiras no vēsturiskās, kas šeit izstādē tika prezentēta?
M. F.: Es nevaru atbildēt uz šādu jautājumu. Es varu pateikt, ar ko arhitektūras grafika atšķiras no arhitektūras ainavas. Esmu bijis Mākslinieku savienības biedrs 30 gadus un izstādīts kā mākslinieks daudzviet, tostarp Tretjakova galerijā un Krievu muzejā. Man šis jautājums ir pilnīgi skaidrs. Arhitektūras ainava, ar kuru nodarbojās mūsu senči, pirmkārt, ir kvalitatīva lapas zīmēšana un organizēšana ar māksliniecisku pieeju. Diemžēl lielākā daļa arhitektu iemīļoto objektu glezno kā nelielu perspektīvu, nevis kā ainavu.
Padomju laikos es pat strādāju pēc Mākslas akadēmijas līgumiem par tīru ainavu gleznotāju. Perestroikas laikā serovieši tur nonāca pie varas - lielākā daļa ir labi mākslinieki, reālisti, Gricai, Rešetņikovs, Nalbandians … Tur bija arī spēcīga, tehniska grafika.
Pārējā padomju grafika attīstījās lapas modernisma organizācijas virzienā: piemēram, ja ūdens ir viegls, tad tas ir uzrakstīts pilnīgi balts utt. Sākot rakstīt, es vairāk domāju par niansēm, starpposma toņiem; baltas nakts nokrāsas, zīmēšanas kvalitāte, perspektīvas smalkumi … Tas mani tajā laikā padarīja diezgan unikālu, šie vecie cilvēki mani ļoti mīlēja. Es strādāju saskaņā ar līgumiem, nācu un parādīju viņiem, viņi izteica dažus komentārus - bija sajūta, ka meistari mani vēro.
Tāpēc es nejūtu lielu atšķirību ar vecmeistariem. Ja viņi nav izveidojuši tehnisku zīmējumu, bet ainavu. Pieeja ainavai bija kā mākslinieks. Mākslas akadēmijas arhitektūras fakultāte savulaik pieņēma darbā tos, kuri zīmē labāk, bet glezna - tos, kuri zīmē sliktāk. Un viņi pasniedza diplomu ar nosaukumu "arhitektūras mākslinieks" - tas tika formulēts līdz dažiem, es precīzi neatceros, gadu. Es nejūtu nekādas atšķirības ar viņiem, it īpaši attiecībā uz gadsimta sākuma darbiem. Mani audzināja par Ostroumovas-Ļebedevas darbiem.
Lai gan man interesanta ir vēl viena nianse - balta nakts. Krievijas ainava bija niansēta starpstāvokļos. Piemēram, Vasiļjevs - atkusnis, nav ziemas, nav pavasara, nav gaismas, nav tumsas, pustoņa, saules stars … Pasaules glezniecībā neatradīsit augstas kvalitātes ainavas, kurās būtu koši zils debesis un koši zaļumi! Varbūt Rilovam varētu būt kaut kas tāds vai Sezana, bet tas jau ir citādi.
Izrādās, ka jums ir divas tēmas: jūsu arhitektūras ainava un jūsu arhitektūra …
M. F.: Nē! Nav atšķirības. Skaista arhitektūra jāsaista ar dabu, ar sauli. Es ļoti labi pārzinu un mīlu mākslas vēsturi. Astoņdesmitajos gados man bija interesanti turpināt to, kas tika saīsināts divdesmitajos gados, kad glezniecība kaut kā sāka pārvērsties - varbūt ļoti kvalitatīvā -, bet modernismā.
Vai jūs domājat, ka ir reāli augt kopā?
M. F.: Jā, tā ir absolūta realitāte. Šī gada janvārī es to nodevu - no 750 tūkstošiem kvadrātmetru dzīvojamo ēku tika noņemti meži.
Sočos?
M. F.: Ne tikai Sočos, Maskavā ir māja Marshal Rybalko ielā. Es jums apliecinu, ka tas ir 2001. gada stila iemiesojums, kuru es izdomāju pirms trīsdesmit gadiem.
Vai jūs to jūtat kā savas glezniecības iemiesojumu?
M. F.: Jā, jā … Es neredzu atšķirību.
Ticiet vai nē, es pabeidzu akadēmiju, izdomāju koncepciju un pēc tam pirmo reizi paņēmu otu un akvareļu. Es nerakstīju ne akadēmijā, ne mākslas skolā. Un, ja es rakstīju, nav iespējams paskatīties, ko es toreiz darīju.
*** izstāde ir atvērta līdz 27. jūlijam (darba laiks)
